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Los cómics son productos culturales que combinan imágenes y palabras para contar historias de forma secuencial. Pueden adoptar formatos muy distintos, desde una sola viñeta hasta una novela gráfica, y abordar temas humorísticos, dramáticos, críticos o fantásticos. Además de su valor como entretenimiento, muchas historietas sirven como punto de partida para adaptaciones cinematográficas y audiovisuales.
Si te interesa descubrir cómo se hacen las historietas, conviene conocer primero sus características, sus elementos visuales y narrativos, y los pasos básicos que permiten transformar una idea en una secuencia clara y coherente.
Antes de profundizar en cómo se hacen las historietas, es necesario comprender en qué consiste este tipo de narración. Una historieta o cómic es una forma de arte visual que utiliza imágenes y, en muchos casos, palabras para contar una historia de manera secuencial.
Una obra puede ser breve, como una única viñeta o una tira cómica, o extensa, como una novela gráfica. Los dibujos o ilustraciones se organizan en viñetas y pueden acompañarse de diálogos, pensamientos, onomatopeyas y otros signos. Estos recursos permiten representar situaciones en las que los personajes experimentan sensaciones, expresan sentimientos y participan en circunstancias de carácter dramático, humorístico, crítico o fantástico.
Para conseguir un todo uniforme en temática, estilo y lenguaje, los recursos gráficos de una historieta deben adecuarse al mensaje que pretende transmitir. Por ello, crear una historieta implica relacionar de manera coherente el dibujo, el texto, el ritmo y la composición de cada página.
La narración gráfica posee antecedentes en antiguos sistemas pictóricos y secuenciales, entre ellos determinadas representaciones egipcias que combinaban imágenes y escritura jeroglífica. Sin embargo, el cómic en su forma moderna se desarrolló durante el siglo XIX y se popularizó durante el siglo XX como medio de comunicación y entretenimiento. Obras y personajes como The Yellow Kid o Las aventuras de Tintín contribuyeron a la consolidación de un lenguaje visual que después continuaron editoriales como Marvel y DC Comics.
«Cómic» e «historieta» se utilizan habitualmente para describir una secuencia de imágenes que cuenta una historia. En determinados contextos, «historieta» puede asociarse con formatos breves, como la tira cómica, mientras que «cómic» también se emplea para obras más largas y narrativamente complejas.
Un cómic se caracteriza por combinar imágenes y palabras para narrar una historia. Está compuesto por viñetas, diferentes tipos de planos, personajes y representaciones de acciones y diálogos. En estos últimos, los globos o bocadillos indican las conversaciones o los pensamientos de los personajes.
Los elementos de un cómic se relacionan entre sí para construir una secuencia comprensible. La forma de las viñetas, los encuadres, los fondos, los signos y el texto orientan la mirada y ayudan a interpretar el tono de cada escena.
Asimismo, los cómics recurren a una amplia variedad de técnicas visuales, narrativas y gráficas para indicar movimiento, temporalidad y dinámicas corporales. Las relaciones entre los personajes y su entorno, así como la interacción con diferentes objetos, aportan claridad y continuidad a cada secuencia.
Reconocer los elementos del cómic permite comprender por qué una página funciona como un conjunto y no como una simple acumulación de dibujos.
Los elementos de la historieta cumplen funciones narrativas y visuales diferentes, pero deben trabajar de forma coordinada.
¿Cuáles son los elementos del cómic? A continuación se explican las unidades principales que intervienen en su composición.
Son los recuadros en los que tiene lugar la acción y constituyen la unidad básica del cómic. Cada viñeta contiene una parte de la narración, mientras que su secuencia forma el hilo de la historia. Entre una viñeta y otra pueden existir intervalos de tiempo grandes o pequeños, según la intención del autor. Su forma y tamaño también pueden variar para influir en la percepción y en la experiencia del lector.
Ejemplo de viñeta. Fuente: Mortadelo y Filemón.
Son los dibujos que transmiten al lector los acontecimientos de la historia. Su naturaleza puede ser muy diversa: pueden abarcar desde trazos caricaturescos hasta imágenes de gran realismo. Además de representar personajes y escenarios, ayudan a expresar emociones, movimientos y cambios de ambiente.
También llamados bocadillos, contienen los diálogos o pensamientos de los personajes y ayudan a narrar la historia. No aparecen en todos los cómics, pues algunas secuencias se construyen únicamente mediante imágenes. Su forma y estilo pueden variar según el tono, la emoción o el volumen de lo que se comunica, y la prolongación del globo permite identificar quién habla o piensa.
Ejemplo de globo. Fuente: Superman & ThunderCats.
Los cómics emplean una simbología que permite expresar emociones, movimientos, ideas y estados. Estos recursos pueden representar pensamientos, efectos sonoros o conceptos, como «zzzzzz» para indicar sueño. Muchos constituyen un lenguaje visual fácilmente reconocible, aunque su significado siempre debe interpretarse en el contexto de la escena.
El uso de «?» como recurso simbólico para expresar duda. Fuente: Mafalda.
El plano se refiere a la distancia y al encuadre con los que se presenta la acción dentro de una viñeta. Entre los más habituales se encuentran el plano general, que muestra el conjunto de la escena; el plano medio, que dirige la atención hacia el personaje; el primer plano, que destaca el rostro o un objeto, y el plano de detalle, centrado en un elemento muy específico.
Ejemplo de plano medio y primer plano. Fuente: X-Men, «The Coming of Ka-Zar».
La angulación es el ángulo desde el cual se observa la acción. Puede ser normal o media, picada —desde arriba— o contrapicada —desde abajo—, entre otras posibilidades. Cada elección aporta un sentido diferente y modifica la manera en que el lector percibe a los personajes, los objetos y el espacio.
Ejemplo de ángulo picado. Fuente: The Amazing Spider-Man, «Spider-Man vs. Doctor Octopus».
Las onomatopeyas son palabras que imitan sonidos de la vida real. En una historieta pueden representar acciones, como un golpe o una explosión —por ejemplo, «¡bum!»—, o sonidos ambientales, como el canto de un pájaro. Su diseño, tamaño y posición también contribuyen a transmitir intensidad y aportan verosimilitud a la escena.
Ejemplo de onomatopeya. Fuente: Batman y Superman.
Los elementos temporales y espaciales son fundamentales para la estructura del cómic. La temporalidad puede indicarse mediante la cantidad de acción contenida en una viñeta, las líneas de movimiento, los textos de apoyo o la disposición de los recuadros. El espacio se refiere al lugar donde se desarrolla la acción y puede cambiar mediante los fondos, la perspectiva o la escala de los personajes y los objetos.
Ejemplo de transición espacial. Fuente: Snoopy y sus amigos.
Ahora que conoces las principales partes del cómic, puedes observar cómo cada decisión visual influye en el ritmo y en la claridad de la narración.
¿Cómo hacer una historieta? El proceso comienza con una idea y continúa con la organización de las escenas, el dibujo y la revisión.
Los pasos para hacer una historieta ayudan a ordenar el trabajo y a mantener la coherencia entre texto e imagen.
Este es el inicio de una historieta. Antes de escribir una historieta, piensa qué deseas realizar, cuál es la historia que quieres contar y qué género vas a escoger. También es fundamental imaginar a los personajes, definir quiénes serán los protagonistas y los antagonistas, establecer el conflicto y decidir el desenlace.
Una vez que hayas definido o conceptualizado la historieta —por ejemplo, si será una tira cómica, una aventura o una obra de ficción—, puedes empezar a rotular las viñetas por páginas para organizar las hojas y los acontecimientos de la narración. Después, coloca las ilustraciones dentro de cada viñeta. Si deseas recurrir a herramientas digitales, puedes utilizar Canva e incluso Word.
Cuando las viñetas y las ilustraciones estén listas, agrega los iconos, los símbolos y el texto, si la historia lo requiere. Finalmente, revisa que exista un buen orden cronológico, que las acciones tengan lógica y que no haya contradicciones en la narración.
Aprender cómo elaborar una historieta no exige una preparación extensa, aunque la práctica facilita el proceso. Las mismas fases sirven para crear una obra corta y permiten adaptar la cantidad de viñetas a la extensión de la historia.
Para comprender cómo hacer una historieta para niños, conviene utilizar un argumento claro, personajes fáciles de reconocer y una secuencia visual adecuada a la edad del público.
Si te interesa realizar animación de historietas, considera las técnicas que se describen a continuación. Los ejemplos permiten comprender mejor el proceso y elegir el método más adecuado, desde los procedimientos tradicionales hasta las herramientas digitales.
Todos recordamos los dibujos animados de antaño: Mickey Mouse conduciendo un barco en Steamboat Willie (1928) o Popeye luchando contra Brutus para rescatar a Olivia Olivo. Popeye apareció por primera vez en la tira Thimble Theatre en 1929 y después llegó a la pantalla en 1933 gracias a los estudios Fleischer. Otros hitos de la animación son Feline Follies (1919), Gertie the Dinosaur (1914), How a Mosquito Operates (1912), Little Nemo (1911) y Fantasmagorie (1908). Estas producciones recurrieron a métodos avanzados para su época, aunque muy laboriosos.
Con estos productos culturales como base y con el auge del cine en Hollywood —El cantante de jazz, de 1927, fue el primer largometraje que incorporó diálogo sincronizado—, productores como Walt Disney observaron el potencial de llevar la animación a la industria cinematográfica. En las primeras décadas del siglo XX, el público estadounidense vivió tanto la expansión del cine como la popularización de los cómics, entre los que The Yellow Kid marcó un antes y un después. Más adelante, el auge del cómic, la creación de Marvel y DC Comics, las convenciones especializadas, la animación 3D y el cine de superhéroes ampliaron este vínculo.
Pero ¿cómo se realizaba este tipo de animación antes de la era de las computadoras? El proceso básico puede resumirse en dos acciones.
Para componer las escenas, cada fotograma se dibuja a mano; es decir, uno o varios artistas realizan las imágenes fijas en las que aparecen los personajes, el escenario y los demás elementos.
Después, los fotogramas se unen de manera sucesiva para generar sensación de movimiento. Por ello, esta técnica también se conoce como animación frame-by-frame.
Los primeros trabajos de animación se realizaron sobre láminas transparentes de acetato, lo que implicaba un gran gasto de materiales y un esfuerzo considerable. Aunque el cine suele proyectarse a 24 fotogramas por segundo, esto no significa que siempre se necesiten 24 dibujos diferentes: una imagen puede mantenerse durante más de un fotograma, según la técnica y la fluidez buscada.
El proceso de animación 2D tradicional era un trabajo principalmente manual. Comenzaba con la preparación del guion, cuya base podía ser una historieta o un cómic, y continuaba con el storyboard, la realización de cortes, la revisión de los fotogramas hechos en celuloide, la filmación en un rollo de 16 mm, la edición, la obtención del máster final y la inclusión de diálogos y efectos sonoros. El procedimiento era complejo y requería la coordinación de numerosos profesionales.
Un caso ilustrativo es Dragon Ball, que originalmente se publicó en formato manga en un total de 519 capítulos. La autoría de Akira Toriyama es la más relevante, desde luego, pero también lo es el proceso de animación a cargo de Toei Animation, que realizó la titánica tarea de llevar la versión gráfica a la televisión. Los animadores de esta empresa —con mejores herramientas que en los albores de la animación— consiguieron un producto de altísima calidad hacia finales de la década de 1980. Con las técnicas 2D conocidas por entonces, lanzaron al público uno de los animes más importantes de la historia.
No obstante, ya en el siglo XXI, las técnicas de animación 2D migraron al mundo digital con las mejoras que esta tecnología ofrecía, como la optimización del tiempo y de los materiales. Las películas y series de animación de Disney son grandes ejemplos, pero, si continuamos con las historietas, los cómics y los mangas, Dragon Ball Super también permite seguir el hilo de esta evolución. Lanzado el 5 de julio de 2015, se compuso y animó completamente en formato digital gracias a programas avanzados de animación. Con diversas críticas, los seguidores de esta saga resaltaron la pérdida de calidad en los trazos de los dibujos y los colores, en definitiva, la estética.
La animación 3D, con mucha tecnología detrás, ofrece la posibilidad de animar historietas de manera más eficiente y rápida. No solo permite corregir errores e insertar elementos nuevos con mayor agilidad, sino que también facilita la incorporación de efectos visuales complejos que, en el método tradicional, serían impensables o muy difíciles de lograr. Además, los artistas y animadores pueden colaborar a distancia mediante software especializado y plataformas de trabajo compartido.
La animación digital puede ser tan compleja como la animación tradicional, pero existe una opción más sencilla: el flipbook. Consiste en un conjunto de dibujos colocados en páginas sucesivas que, al pasarlas a una velocidad constante, generan ilusión de movimiento. Con esta técnica se pueden crear historietas animadas y, después de grabar la secuencia, incorporar diálogos y efectos sonoros mediante un programa informático.
Entre los programas que pueden utilizarse para crear historietas y animarlas se encuentran las siguientes opciones:
Adobe After Effects. Es una de las aplicaciones más utilizadas para añadir movimiento, efectos visuales y transiciones dinámicas, tanto en composiciones 2D como 3D.
Adobe Premiere Pro. Este editor de vídeo permite ultimar los detalles de la animación, como la sincronización de escenas, la música y los efectos sonoros. Resulta útil para preparar el producto final.
Adobe Animate CC. Si el objetivo es utilizar un programa centrado en la animación 2D, esta aplicación contiene herramientas para trabajar con vectores y funciones de scripting. Las animaciones pueden exportarse en formatos GIF o HTML5.
Clip Studio Paint. Es un programa muy completo para animadores e historietistas, ya que permite ilustrar y animar en un mismo espacio. Ofrece pinceles, herramientas vectoriales y funciones para componer viñetas. Sus opciones de animación 2D son intuitivas.
Blender. Es un programa de código abierto con herramientas para modelar y animar. Permite convertir personajes estáticos en elementos animados mediante funciones como «Mover» o «Escalar» y atajos entre los que destaca la tecla «G».
Otros programas. También existen opciones como Adobe Express, que incluye plantillas, Canva o Pixton. La elección dependerá del diseño buscado, del tipo de historieta y de la calidad gráfica que se desee alcanzar.
Si estas opciones no se ajustan a tus intereses, en internet encontrarás páginas y aplicaciones para crear cómics. Entonces, si te preguntas «¿cómo puedo hacer una historieta?», ya cuentas con la información básica para comenzar tu proceso creativo.
Sebastian Rodrigo Canal Recharte
COPYWRITER
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